Lectura de partituras 1ra parte:

Cuando ves una partitura de cualquier tipo en el mundo real, vas a ver algo similar a esto:

El primer paso para leer esta partitura es saber el significado que tiene cada nota segun el lugar en el que se encuentra. Para esto, siempre se sigue un "estandar" en la mayoria de las partituras, mediante el cual se asigna un lugar en el pentagrama para cada pieza de la bateria. Los lugares son:

Esa grafica indica que el bombo siempre es la nota que va en el ultimo espacio del pentagrama, la caja va en el segundo de arriba para abajo, el tom uno o chico en la primera etc. Estas notaciones siguen, como ya lo mencione, un "estandar" en la forma en la que se acomodan las notas dentro del pentagrama. Algunas personas ponen los toms chicos o grandes en otros lugares o el crash o ride lo marcan de manera diferente, pero a final de cuenta, el fondo y la base, la esencia de todo esta figurado en esa imagen.

Los unicos tambores que siempre permaneceran en el mismo lugar son el bombo, la caja y los platillos en general, que siempre estan sobrela linea de arriba. Al no mencionar a las demas piezas de la bateria, no me refiero a que estas cambien de linea drasticamente, si no que algunas personas pueden poner el tom chico enmedio de la segunda linea o en la parte superior. Lo mismo puede pasar con las otras piezas! Por ahora imaginemos un mundo perfecto en el que todo mundo se basa en nuestro diagrama.

Ahora, en el diagrama he pueso intencionalmente al ride en la parte de arriba, pero debe de tomarse en cuenta que tambien podrian ser los contra-platillos! En nuestro caso, vamos a trabaja Tres,r durante estas lecciones solamente con los hihats, para despues poder movernos al ride y a los demas tambores.

nota: la clave de fa es incorrecta esta se sustituye por la sol...

CLAVES PARA UN ESTUDIO INTELIGENTE

La batería posee su propia técnica, como cualquier otro instrumento. Si tenemos la intención de expresarnos con libertad debemos conocer dicha técnica lo mejor posible. Aún así, hay que tener presente que poseer un perfecto dominio de la técnica no nos garantiza un elevado grado de expresión, aunque es uno de los medios para conseguirla. Si no tenemos nada que expresar, lo mas probable es que nuestra interpretación parezca un montón de ejercicios con un grado mas o menos elevado de virtuosismo. Si queremos tocar música tenemos que considerar la técnica como un medio y no como una finalidad. No es descabellado, por tanto considerar el estudio de la técnica como una gimnasia. El sistema nervioso debe desarrollar de una manera más acentuada habilidades como, por ejemplo, la coordinación. Los tendones y músculos que intervienen tienen que ser fortalecidos para realizar los movimientos con efectividad. El cerebro tiene que acostumbrarse a mandar esos nuevos mensajes a nuestras piernas y brazos y éstos, a su vez, a responder de la forma correcta.
Hagamos un pequeño análisis de las causas de nuestros fallo en el momento de la interpretación. Básicamente hay dos fuentes de error: el sistema nervioso y las extremidades. Cuando nuestro cuerpo esta suficientemente preparado y fallamos, el error se debe a un mensaje mal enviado por parte del cerebro. Esto puede ser debido a la falta de concentración o por no conocer el estilo musical en el que estamos envueltos. En cualquier caso, nuestro cerebro no tiene todas las claves para la perfecta ejecución. En el caso opuesto, tenemos un cerebro que sabe lo que quiere pero unas extremidades que no están preparadas para esa ejecución. Esto sucede cuando nos gustaría ir mas de prisa o cuando queremos crear un patrón que involucra movimientos que no podemos hacer correctamente. Estos dos factores (cuerpo y mente) necesitan ser entrenados debidamente.
Vamos a hablar primero del entrenamiento del cuerpo. Esto involucra músculos, tendones y todo lo que concierne a la parte mecánica del hecho de tocar. La palabra clave aquí es REPETICIÓN. Debemos acostumbrar a nuestro cuerpo a todos esos nuevos movimientos hasta que formen parte de su repertorio habitual. Lo primero que haremos será identificar cuales son esas nuevas habilidades. Para ello podemos solicitar la ayuda de un profesor en la materia o consultar libros. Yo me inclino por la opción del profesor puesto que la cuestión visual es muy importante. En este sentido debemos aprender cosas como sentaros debidamente, tomar las baquetas de forma correcta, golpear bien en los parches y en los platos, .... Es fundamental entrenar bien los brazos, las muñecas y los dedos, así como los pies. Aún así, lo mas importante no son los “como” sino los “por que”. Si yo por ejemplo, me siento a una determinada altura y sé porqué lo hago no andaré cambiando mi posición según como se siente el baterista de moda. Por esto es fundamental escuchar las explicaciones de los demás sobre como hacen las cosas. Una vez que hayamos determinado los elementos necesarios, empezaremos a trabajar. Tenemos ante nosotros un nuevo montón de habilidades que debemos entrenar y aquí la paciencia es primordial. Los nuevos movimientos deben ser repetidos de forma lenta, durante espacios prolongados de tiempo, de un manera constante. El uso del metrónomo es fundamental ya que desarrolla nuestro sentido del tiempo y nos ayuda a visualizar nuestro progreso. Es recomendable empezar a tiempos entre 40 y 60 b.p.m. Pongamos un ejemplo si queremos desarrollar nuestra mano izquierda podemos tocar semicorcheas con ella a 40 b.p.m. durante cinco minutos sin parar. Como este es un tiempo muy lento podemos focalizar nuestra atención en la correcta colocación de la mano. El hecho de estar tantos minutos sin parar hace que nuestra extremidad memorice el movimiento y lo haga propio y natural. Poco a poco notaremos que podemos poner el metrónomo mas rápido sin por ello añadir tensión. No conozco un sistema mejor para alcanzar una gran velocidad que trabajar lenta y constantemente. Cuando el cuerpo internaliza los movimientos no necesitamos pensar en ellos y, por tanto, podemos entregarnos a las actuaciones y al goce que acarrean. Durante el proceso de repetir debemos escuchar atentamente el sonido que estamos produciendo para conseguir que este sea limpio y muy claro. El “pero” lo pone el punto aburrido del proceso ya que la repetición es, en sí un proceso carente de creatividad. En cualquier caso también es bueno por la disciplina que nos demanda y los beneficios que nos aporta. Como alguien me dijo: “Es el desierto que todos debemos cruzar solitos”. Para cerrar este apartado me gustaría hacer hincapié en la necesidad de trabajar el sonido. En este sentido, una grabadora puede sernos de mucha utilidad. Escuchar nuestras interpretaciones nos dará muchas pistas sobre lo que funciona y lo que no.
Mientras entrenamos nuestra parte “mecánica” no debemos de olvidar la “máquina” que lo hace funcionar todo: el cerebro. Hay que encontrar un vinculo entre las señales que envía el cerebro a las extremidades y los movimientos que estas realizan. Para ello es fundamental la otra gran palabra mágica: “CONTAR”. Una frase que a mí personalmente me gusta es “si contamos, ordenamos”. Cuando contamos estamos creando un mapa mental en el que se ubican todos los “palos” que damos y en el que, por otro lado es imposible perderse. Es fundamental saber donde nos encontramos dentro del compás en cualquier momento y, cuando nos hemos entrenado contando, esto no es difícil.
Algo que no suelen decirnos los libros ni la mayoría de los profesores (quizás porque se da por supuesto) es el hecho de que todo esto vale de poco si no nos desarrollamos como personas. Una jornada diaria de catorce horas de practica baterística nos reportara indudables aptitudes técnicas, pero nuestra vide será tan vacía que no habrá nada que expresar y, por lo tanto, nuestra interpretación se tornará barroca y pesada. No quiero, no obstante, plantear un debate que no se sostiene. Practicar es muy importante, pero sin olvidar que una vida plena ayuda a nuestra música tanto o mas. Prestar atención a las relaciones personales, a otras formas de arte y al ocio colabora a mantener nuestro sistema nervioso en orden, y esto es fundamental en nuestra vida y en nuestra música. Es bien cierto que para todo existe una excepción y hay ejemplos que lo corroboran: obras que han pasado a la historia y que fueron creadas por personas con problemas de adaptación, drogas, etc. Pero esto no es mas que otro ejemplo de la capacidad asombrosa que posee la mente humana para crear belleza aún en situaciones adversas.
Otro hecho que llama particularmente la atención es que la mayoría de nosotros pasamos mucho tiempo practicando en el local y, sin embargo, el tiempo diario dedicado a escuchar música (he dicho “escuchar” y no “oír”) es casi nulo. En las clases que imparto se nota una diferencia abismal entre los alumnos que escuchan música y los que no. La interpretación de los que sí l hacen, consideraciones técnicas a parte, tiene mas sentido. Una de las cosas que más vamos a necesitar como bateristas es conocer los distintos estilos musicales. Los diferentes pueblos han ido creando a lo largo de mucho tiempo sus propias manifestaciones culturales, entre ellas la música. La técnica propia de nuestro instrumento sólo nos da la capacidad mecánica y, por tanto, debemos escuchar toda la música que hemos aprendido. Quizás en esta reflexión se encierre la respuesta a la pregunta de por que existen tantos bateristas tan virtuosos y tan iguales. Escuchar músicas diferentes, leer, estudiar otras formas de arte y en definitiva, involucrarse en el mundo que nos rodea convierte nuestra forma de tocar en única y plena de sentido.
Una vez que hemos decidido que queremos adquirir una buena técnica debemos plantearnos en plan de estudio. El tiempo que empleemos en el estudio dependerá de nuestra disponibilidad y nuestras expectativas como bateristas. En este sentido es fundamental no engañarse; si nuestro tiempo es limitado y mantenemos unas expectativas altas, lo mas posible es que nos frustremos al no conseguir nuestros propósitos. Si estamos decididos a llegar a un nivel muy alto como instrumentistas debemos ser consecuentes y restar tiempo a otras actividades para dedicarlo a la práctica diaria de nuestro instrumento. Una buena idea que nos va a ayudar a seguir nuestro progreso es apuntar en un cuaderno todo lo que vamos estudiando, los tiempos y las repeticiones realizadas.
Al fin, tenemos local, una batería, un par de baquetas y toda un mañana para practicar y, por desgracia, la pregunta del millón: ¿Qué estudio?. La solución es sencilla: toma una cuartilla de papel y escribe en ella todo lo que como baterista sabes hacer bien. Ahora, escribe en otra hoja todo aquello que crees que no sabes hacer o que no controlas bien. Esta segunda hoja te dará la clave de qué debes estudiar primero. Entre todas las habilidades que debemos desarrollar hay algunas que son fundamentales: el sentido del tiempo, el sonido y el conocimiento del pulso. Son aspectos de vital importancia por lo que es un buen punto de partida. Por desgracia, es muy común que gastemos el 90% del tiempo en cosas que ya sabemos hacer y el 10% restante en las que no controlamos aún, cuando debería ser al revés. Por esto debemos concienciarnos que el tiempo de estudio es sagrado y debemos aprovecharlo para desarrollar aptitudes nuevas.
Otra fuente importante de pérdida de tiempo es cuando nos ponemos a tocar sin ton ni son, o lo que la mayoría llama “desparramar”. Este tipo de cosas, no sólo no sirven de mucho, sino que distraen nuestra atención y concentración Si no puedes evitarlo prueba un sencillo remedio. Si mi jornada de estudio diario es de dos horas, voy a dedicar 15 minutos a “desparramar” todo lo que quiera, pero cuando ese tiempo pase, no volveré a hacerlo en la hora y pico restante, Poco a poco usaras menos tiempo para esto hasta que te des cuenta lo absurdo de emplear ni siquiera un minuto y lo eliminaras de tu practica. Esto no es mas que una estrategia de las muchas que se pueden emplear por lo que puedes desarrollar otras que te funcionen mejor.
Para terminar, me gustaría hacer énfasis en la necesidad de tener objetivos a corto plazo. Un objetivo como “tocar igual que Colaiutia” es muy loable, pero es demasiado amplio e impreciso y puede no sernos de mucha utilidad. Es mejor plantearse objetivos mas pequeños como “a final de año voy a controlar perfectamente los rudimentos”. De esta forma es mas fácil conseguir resultados tangibles. Además, ya se sabe que “pasito a pasito se llega a cualquier lugar”. Lo mas importante no es la cantidad de horas que estudiemos sino la calidad de dichas horas. Una jornada de práctica eficaz nos reportará muchos beneficios y nos dejará tiempo para otras actividades.
Espero que este articulo les ayude a haces de su practica mas efectiva pero no olviden que éste es un proceso creativo y que cada uno puede y debe inventar sus propias estrategias para conseguir los fines que se haya marcado.

Diccionario de términos musicales.

-Acento: Una nota que resalta de las demas por que se toca ligeramente mas fuerte que otra.
-Acustica: Tiene que ver con cualquier cosa que se escuche, o que tenga que ver con ondas que estan dentro del rango del oido humano 20Hz a 20kHz. La acustica es la propiedad de un objeto a tratar con vibraciones audibles, un recinto tiene cierta acustica cuando se le da un tratamiento para realzar ciertas frecuencias o para neutralizar rebotes etc o para que la resonancia del cuarto sea lo mas pareja posible, y que se escuche sin colorear frecuencias que resuenan con en el cuarto.
-Agógica: Indicación de cambio de tiempo dentro de un tema, por ejemplo: acelerando, realentando, detener, etc.
- Armonico: Frecuencias que acompañan a un sonido con una onda fundamental pura (seoidal pura), generalmente son frecuencias parasitas que deforman un poco a la onda senoidal y le dan un caracter especial al sonido (timbre), algunas de estas frecuencias son submultiplos o multiplos de la frecuencia de la onda principal o fundamental. El analisis de Fouroier es la herramienta que se usa para sumar muchas ondas senoidales de diferentes patrones para lograr generar una onda compleja que tiene en su interior caracteristicas de timbre y armonicos que enriquecen el sonido al oido.
-Ataque: Es la intensidad inicial (máxima) de la amplitud de la onda que se genera cuando le pegas al tambor es lo que el oido distingue facilmente pues es un pico en el sonido.
-Backbeat: Un ritmo fuerte y pronunciado, muy predecible, que enfatiza la segunda y cuarta nota o golpe (beat) en un compas de 4 tiempos.
-Beat: Golpe. Dependiendo del contexto en que se use, puede significar "nota". (Four beats podrian ser 4 golpes o 4 notas)
- Bordones o Bordonera: utensilio formado por hilos de alambre o cordón que rebota contra el parche inferior(bordonero) produciendo una distorsion.Generalmente usado en cajas.
-Caja, tarola, snare, redoblante: Es el tambor o parte de la bateria que esta hecha, por lo regular, de algun tipo de metal (acero inoxidable, cobre, fierro cromado) o madera. En general, esta ubicada entre los hihats y el pedal del bombo (enmedio de las piernas del baterista)
-Clave: Instrumento formado por un par de piezas de madera solida cilindricas que son utilizadas como instrumento de percusion. Existen varios tipos de ritmos reconocidos por los musicos, entre los cuales tenemos el son clave y la rumba clave. En la bateria se refiere a un ritmo especifico a ser ejecutado por el baterista.
-Compas: Es la agrupacion de un cierto numero de notas localizadas entre dos lineas consecutivas dentro de un pentagrama (el valor total de las dentro del compas notas se especifica con el time signature) .

-Decibel (dB): Medida de sonoridad o sensación sonora que es igual a la décima parte de un bel.

-Decay: Es el tiempo que tiene la onda para dejar de resonar cuando se le golpea. Es un parametro de la resonancia. Generalmente se le parametriza como una rampa que decrece a una velocidad que depende de la pendiente de la intensidad con respecto al tiempo.
-Dinámica: El poder tocar o muy fuerte o muy despacio (en cuanto a sonido se refiere).
-Downbeat: El movimiento hacia abajo o la nota que nos hace querer aplaudir cuando escuchamos una cancion. Es el movimiento que indica la principal o principales notas acentuadas en un compas, como por ejemplo, la primer nota.
-Downstroke: Golpe con acento que da se utiliza en el tiempo fuerte de un compas.
-Feeling: Traducción literal: Sentimiento. Los bateristas usamos este termino para definir si una composicion tiene un cierto aire que te hace sentir bien, algo que no se puede describir con palabras mas se siente por el cuerpo. Tener "feeling" es tener un toque especial a la hora de tocar.
- Flam: Es un rudimiento que consiste en un golpe compuesto que se realiza entre dos extremidades que se desfazan ligeramente del golpe al mismo tiempo (unos microsegundos) y ademas uno de los dos golpes tiende a escucharse bastante menos que el otro golpe. .
- Flotante: toda aquella parte de la bateria suspendida por medio de un aro o rim, en vez de por el metodo tradicional de atornillar el casco al herraje.
- Goliat: timbal con patas , tambien llamado timbal base, o floortom.
-Groove: En cierta parte ligado con feeling, groove se podria reconocer mas como cuando escuchas una composicion y te dan ganas de bailarla o de mover tu cabeza de atras para adelante. Cuando un baterista esta tocando algo y te dan ganas de bailar o simplemente te pone una sonrisa en tu cara, eso es groove.
-Grip: Forma de agarrar o sostener las baquetas.
-Hihats o High Hats: Contratiempos, contra platillos o charleston. Son un par de platillos de igual diametro (desde 13 hasta 15 pulgadas) que sirven para llevar el tiempo.
- Mazas: golpeador de fieltro madera o sintético unido al pedal de bombo los hay de diferentes pesos y tamaños , incluso las innovaciones del mercado los empiezan a presentar fabricados de los materiales antes citados con multiples posiciones en la misma maza, con el fin de hacer rotar la maza y elegir.Creo que en latinoamerica los llaman baquetones.
-Offbeats: La nota o golpe (beat) que no tiene acentos dentro de un compas.
-Ostinato: (1) Repeticion de un ritmo muchas veces a lo largo de una composicion. (2) Es un patron repetitivo que no varia y que suele usarse para generar una especie de base en la cual se puede lograr un solo autoacompañandote. Generalmente los ostinatos se hacen con dos o tres miembros y los demas pueden sentirse libres sobre esta base. El ejemplo mas clasico es la samba los pies hacen el ostinato pum chik pump pump y las manos hacen losacentosvariantes en tarola.
-Pattern: Traduccion literal: Patron. Por lo general se utiliza para describir un ritmo.
- Permutacion: "El numero de maneras diferentes en que es posible ordenar un numero n de objetos distintos."
En una permutacion se tienen todas las agrupaciones posibles de un dentro de un grupo.
-Pitch: Es la frecuencia de la fundamental. Cuantos ciclos por segundo da una onda senoidal. Si se afina en notas se tiene que conocer que el LA medio es a 440 Hz y de ahi las otras notas se relacionan fisicamente.
-Redoblante o redo , snare, tarola, caja: Es el tambor o parte de la bateria que esta hecha, por lo regular, de algun tipo de metal (acero inoxidable, cobre, fierro cromado) o madera. En general, esta ubicada entre los hihats y el pedal del bombo (enmedio de las piernas del baterista)
-Resonancia: Es el tiempo que puede quedar sonando una frecuencia una vez que se le golpea al tambor o se acciona un sonido. Generalmente esto graficamente se ve como una atenuacion de la amplitud de la onda a lo largo del tiempo en funcion de una exponencial que envuelve a la onda senoidal. El amortiguamiento que sufre la onda depende de las caracteristicas del la fuente en nuestro caso es el tambor y el parche que se usa, las baterias mas resonantes son las que tienen maderas delgadas y parches de una sola capa.
-Ride: Platillo usado por los bateristas de gran tamaño (por lo regular desde 18 hasta 24 pulgadas de diametro) que sirve para acompañar, en general con la mano derecha, una composicion.
-Rudimentos: Los Rudimentos son descritos como "El primer principio, paso, estado o condición" Son el primer y más importante paso y fundamento para tocar la bateria. Los rudimentos no son mas que una serie ejercicios que son realizados en la tarola (que pueden ser utilizados despues en el resto de la bateria) con ambas manos alternandose a diferentes velocidades y tiempos. Existe una asociacion conocida como NARD (National Association of Rudimental Drummers) que ha clasificado los principales rudimentos en 26 ejercicios principales de los cuales se derivan cientos de ejercicios usados por muchos bateristas alrededor del mundo.
-Stand: Tripie que sirve para sostener platillos, tambores o percusiones.
-Tambor:
-Tap: Es tambien un golpe no acentuado, ligero, y que se realiza con la muñeca.
-Tarola, snare, redoblante, caja: Es el tambor o parte de la bateria que esta hecha, por lo regular, de algun tipo de metal (acero inoxidable, cobre, fierro cromado) o madera. En general, esta ubicada entre los hihats y el pedal del bombo (enmedio de las piernas del baterista)
- Tempo: Velocidad a la que se debe de tocar. Se mide en bpm (beats per minute) o golpes por minuto. Si tenemos un bpm=120 eso quiere decir que habra 120 golpes en 1 minuto.
-Time signature: Tiempo en que se toca un determinado compas. Esta compuesto por dos numeros uno sobre de otro, algo asi: 4/4, 6/8, 12/8, 5,/4 etc. El numero de abajo indica las notas que se estan usando (de esta forma, abajo solo podemos tener medios (2), cuartos (4), octavos (8), dieciseisavos (16) y treintadoseavos (32)). Mientras que el numero de arriba indica cuantas notas de este tipo habra dentro del compas. De esta manera, si tenemos un compas de 4/4, tocaremos cuatro notas con un valor de 1/4; si tenemos 6/8, tocaremos seis notas con un valor de 1/8.
-Timbre: Es la combinacion de frecuencias parasitas con la fundamental que es la que nos da el caracter de cada instrumento, gracias a esta firma personal de la combinacion de nuestras frecuencias inherentes asi se puede distinguir una voz de otra, si es instrumento de cuerda o de viento etc, cuando todas estan emitiendo una nota similar en particular.
-Tono: Es la frecuencia fundamental que emite un sonido y que es reconocible musicalmente. En nuestro caso es dificil de reconocer si no afinamos a un nota los tambores , generalmente es lo que se distingue mas cuando escuchas una frecuencia, y en la escala tradicional occidental tiene 12 semitonos de donde salen las 7 notas Do Re Mi Fa Sol La Si Do mas los 5 semitonos notas sostenidas o bemoles se forman los 12 tonos armonicos.
-Snare, tarola, redoblante, caja: Es el tambor o parte de la bateria que esta hecha, por lo regular, de algun tipo de metal (acero inoxidable, cobre, fierro cromado) o madera. En general, esta ubicada entre los hihats y el pedal del bombo (enmedio de las piernas del baterista)
-Sustain: Es el tiempo en el cual no hay un descenso en intensidad de la onda generada cuando golpeas al tambor, generalmente esto puede durar mucho cuando haces proceso de reverb. Graficamente es la meseta de intensidad que se escucha como que se hace perdurar el sonido con la misma intensidad y cualidad sonora.
-Upbeat: Una nota que no se acentua en un compas, como por ejemplo, la ulitma.
-Upstroke: Es un golpe no acentuado que se realiza cuando el antebrazo se mueve hacia arriba mientras que la muñeca junto con la baqueta hace un movimiento hacia abajo, como el de un subi-baja.

Temas Generales sobre la Batería (afinación).

 El afinar una bateria o cualquier instrumento se refiere a de cierta manera "acomodar" los tonos de cada uno de los miembros de ese instrumento para que den cierta nota o sonido. En el caso de las baterias, siendo un instrumento de percusión y compuesto principalemente de madera, el sonido depende de muchas variables entre las cuales podemos destacar: la forma y tamaño del caparazón (shell), la tensión y el tipo de parche, la velocidad y el area de golpeo, la acústica del salón, entre muchas otras. Lograr el sonido deseado es de lo que se trata este artículo. Apesar de que parece muy simple el hecho de entender como funciona una bateria (al golpear el parche se transmiten vibraciones a la madera, por ende esta última vibrará, creando el sonido), realmente existen infinitas posibilidades, sonidos, variables y formas en que puedes afinarla, por lo que es importante cononcer algunos conceptos antes de empezar a mover tornillos.

NOTA: Antes de comenzar a desarmar tu bateria, consigue una LLAVE !!!

Si nunca has afinado tu bateria antes, lo mejor sería que les quitaras los parches y empezar todo desde el principio. Puedes usar los mismos parches viejos, pero los resultados se pueden ver afectados por ello. Si no sabes de que tamaño son tus parches, simplemente toma una cinta de medir y mide el diámetro del aro; ese es el tamaño de tu parche (se mide en pulgadas). Una vez que te hayas aventurado a quitar los parches, lo mejor es que te compres unos nuevos. Si no sabes bien que tipo de parches necesitas, visita la sección de parches para ver en que difieren los diferentes tipos de grosores, texturas, etc. Por lo pronto, tendrás que poner el parche de la parte de arriba. Se recomienda que ahora que tienes tu bateria sin parches la revises bien e incluso la limpies un poco (tanto por adentro como por fuera) antes de que vuelvas a poner el parche.
Ahora que estás limpiando tu bateria revisa bien las orillas. Están lisas y parejas? Si no lo están, puedes usar una lija para quitarles cualquier protuberancia(solo si es realmente grave y puede dañar tu parche en un futuro, no hagas algo de lo que te puedas arrepentir!) Una manera rápida y sencilla que yo uso para cerciorarme de este tipo de detalles es colocando el parche y girándolo. Si se siente de alguna manera rasposo y difícil de mover, entonces trata de limpiar la orilla como lo explique anteriormente.
Una vez que has finalizado con la limpieza de la bateria coloca el parche en su lugar. Si al ponerlo te das cuenta de que tiene un poco de juego (que al empujarlo de lado a lado se mueve), entonces velo rotando y moviéndolo hasta que este movimiento se minimize. Coloca el aro sobre el parche y ten cuidado de no mover el parche para evitar tener que buscar el mejor punto de colocación de nuevo.
Ahora todo está en su lugar y colocado lo mejor posible. Pon los tornillos de vuelta en el aro (cada tornillo tiene un pequeño aro el cual debe de ir entre el tornillo y el aro para ayudar a un movimiento más parejo) y empieza a apretarlos con tus dedos hasta que estén ligeramente tensos (de aquí en adelante, tendrás que usar tu llave (drum key) para apretar los parches).
La regla básica para afinar una bateria es hacerlo en forma de cruz, apretando tornillos opuestos. Recuerda que este proceso es más que solamente apretar tornillos! Sigue el orden que se te presenta en los siguientes diagramas para los diferentes tipos de baterias y sus numeros de tornillos.

Cuando se empieza a afinar un nuevo parche, se debe de aplicar poca presión pero distribuida equitativamente sobre todo el parche. Una técnica para asentar bien el parche que yo he usado varias veces es la de presionar el parche con la palma de la mano en el centro. Esto se debe hacer poniendo el tambor en el suelo en una superficie plana. Ahora empuja fuertemente con la palma de tu mano extendida en el centro del parche hacia abajo. Escucharás un "crack" pero esto es normal (no tengas miedo de recargarte, el parche NO se romperá). La razón por la cual se recomienda se haga eso es por:

• Cuando escuchas el "crack", el parche se está aflojando un poco. Normalmente, después de que tocas por determinado tiempo el parche se aflojará un poco y se asentará sobre el tambor. Empujando el parche con tu mano adelante este proceso y evitará que ocurra en el futuro, de esta manera ayudará a mantener el parche y el tambor afinado.
• Al mismo tiempo, centra el parche en el tambor. Si el parche no está bien centrado cuando lo aprietas, notarás que siempre habrá una zona con pequeñas ondas que está más floja que el resto del parche.

Con el parche en posición y los tornillos puestos, es tiempo de emepzar a darle forma al sonido. Una vez con los tornillos puestos y apretados ligeramente con tus dedos, pon la bateria en el suelo. Comienza a golpear ligeramente el parche cerca de los tornillos y velos apretando hasta que todos tengan el mismo tono. Una vez que tienes el mismo tono en todos los lugares, puedes empezar a ver que "pitch" o tono le darás a tu bateria.

Tono del Parche 

Para el tono del parche de abajo, existen 3 diferentes opciones más comunes y conocidas las cuales son:   

• El mismo tono que el parche de arriba.
• Un tono más agudo (más apretado) que el parche de arriba.
• Un tono más grave (menos apretado) que el parche de arriba.

Cada combinación mencionada dará como resultado un sonido y sensación diferente. Es importante recordar que cuando se "aprieta" o "afloja" un tornillo se debe de hacer ligeramente. Si los dos parches están muy disparejos en tono, se cancelarán y el sonido estará "muerto"Ahora una descripción detallada de las 3 diferentes combinaciones y el sonido que obtendrás de ellas:

• Los dos parches al mismo tono (apretados igual) Esta combinación producirá un sonido cálido y redondo con un tono largamente sostenido. El ataque en general será agresivo y agudo (dependiendo en la tensión del parche de arriba) y el desvanecimiento del sonido será laaaaargo sin variación en el sonido conforme este se hace menos notable.
• El parche de abajo menos apretado que el de arriba El tono y el sostenimiento son disminuidos un poco y el sonido es más redondo y el tono será más profundo. Las resonancias son eliminadas un poco.
• El parche de abajo más apretado que el de arriba He aquí el secreto! Esta forma de afinación es parecida a la anterior, pero el tono SI tiene variaciones conforme el sonido termina. Aquí es cuando obtienes ese sonido "bwow" o "puuum" Las resonancias también son eliminadas un poco. 

NOTA: Solo recuerda que si quieres probar estas 3 maneras de afinar tu bateria, el cambiar el tono de uno de los parches cambia completamente el tono del parche opuesto. Esto es, si tu aprietas el parche de arriba, tienes que apretar el de abajo en la misma proporción para que el tono no se vea afectado!
Uno de los elementos más importantes para aprender a afinar es la experiencia, y la única manera de adquirirla es armando, afinando y desafinando tu bateria una y otra vez hasta que encuentres el método más adecuado y que se apega más a tu estilo de música. Para una guía mas extensa, no olvides visitar la sección de como escoger tus parches.

El tempo, un factor primordial

Según una de las definiciones del diccionario, “música es el arte expresado mediante la ordenación de los sonidos en el tiempo”. Así las cosas, todo sonido (o conjunto de ellos) de cierta duración que aspire al “estatus” de composición musical debe cumplir con dos premisas: ritmo y melodía, relacionando (no sin caer en una simplificación excesiva) “ordenación” con “ritmo” y “arte” con “melodía”. 

Y estos dos términos van siempre relacionados de forma indisoluble; puedes tener una técnica instrumental alucinante, pero si lo que haces no dice nada, estás perdiendo el tiempo, y si lo que haces tiene interés pero el ritmo va y viene, el mensaje no llega de la forma correcta. 

Si bien es cierto que un sólo instrumento ya es capaz de crear música, los actuales estándars del rock, pop y demás géneros más o menos comerciales demandan que exista más de una voz en una composición musical, lo cual implica su ordenación frente a un mismo esquema rítmico y melódico. (Obviamente, esta es una definición un tanto simplista; aquí podríamos hablar largo y tendido sobre armonía, contrapunto, tensiones rítmicas y melódicas, etc., pero vamos a mantener nuestra pequeña disertación en parámetros sencillos).


Nuestra sociedad es muy dada a otorgar roles específicos a cada uno, así que en una formación musical los instrumentos de percusión tienen, en general, el cometido de mantener el ritmo y el tempo, evitando que la composición se desplace (de forma involuntaria) de una velocidad a otra. Sobre esta cuestión también se podría discutir largo y tendido, aunque nosotros estamos de acuerdo con las afirmaciones de Max Roach cuando decía, “¿Por qué tengo que mantener el tempo para otro?. Tengo un instrumento que puede dar color y hacer cualquier cosa para mejorar la interpretación. ¿Voy a restingirme a hacer ding-ding-ding para ti?. Si no puedes mantener el tempo, no deberías estar en esto de la música... Todo instrumentista debe ser capaz de sentir el pulso sin una sección rítmica”. Pero no todo el mundo es tan abierto de mente.

Sea como fuere, cualquier músico debe ser capaz de mantener el tempo sin dificultades y la finalidad de este artículo es dar una serie de consejos y recursos para mejorar nuestro “reloj interno”.

Evidentemente, aunque estas palabras se escriban en una publicación para bateristas y percusionistas, son aplicables a cualquier intérprete así que te recomendamos que pases este artículo a los demás músicos de tu grupo; es en beneficio de todos.

Antes de entrar en materia, vamos a plantearnos una situación común (por desgracia) en muchas formaciones. Pongamos por ejemplo que el baterista ha asumido plenamente su rol de “guradián del ritmo absoluto” y está tocando a tempo (si, además, lo hace con feeling es que es uno de los grandes); uno o varios de los miembros de la banda hacen caso omiso y se adelantan o atrasan frente a esa referencia absoluta. ¿Qué hacer frente a esta situación?; tenemos dos opciones?: nos “vamos” con ellos o nos “quedamos” en nuestro sitio, “ya volverán al tempo correcto”. 

El primer caso es el que implica una menor transgresión en lo que se refiere a la esencia de la canción; simplemente la hacemos más rápida o más lenta, alterando mínimamente su forma original. Además, todos los miembros de la banda se mueven al unísono, por lo que si el desplazamiento del tempo es pequeño, probablemente la mayor parte del público ni se dé cuenta. Otra consecuencia de este “atraso” o “adelanto” colectivo es que podemos probar nuestra composición a una velocidad diferente a la original, cambiando el feeling general de la composición. (Aunque esta última afirmación suana un poco a consuelo de pobres).

“Quedarnos” en el tempo correcto lleva implícito un problema bastante grave: alteramos el groove de la canción, la ordenación rítmica de todas las voces implicadas se ve alterada frente a la referencia absoluta. Además, siendo un poco egocéntricos, nadie va a pensar (por ejemplo), “mira, el baterista se mantiene en el ritmo y los demás se adelantan”, sino que la opinión general se parecerá más a, “el baterista se atrasa”, ya que es más fácil darse cuenta del “error” de uno que del de varios (aunque tú lo estés haciendo bien).

Un baterista nos contaba en una ocasión que él utilizaba una tercera solución que, si bien no es del todo ortodoxa, en su formación funcionaba más o menos bien. Asumiendo que su rol era el de mantener el tempo, y que sus compañeros eran capaces de seguirlo, llegaba a la conclusión de que ellos se iban de tempo porque no podían oírle bien. Solución: tocar más fuerte. En realidad, lo que ocurría es que sus compañeros se soprendían por ese “ataque sonoro” de la sección rítmica, se fijaban en él y volvían al tempo correcto.

De todas formas, todo el mundo coincidirá en que lo deseable es no tener que llegar a tomar ninguna de las tres decisiones, y esto sólo se soluciona con un buen entrenamiento rítmico por parte de todos los miembros de la banda ya que, después de analizar las tres soluciones anteriores y ver que ninguna es óptima, llegamos a la conclusión de que tener sólo un miembro de la banda capaz de mantener el tempo no es solución viable para una formación (si uno debe fijarse en el baterista para mantener el tempo, nunca será capaz de tocar con fluidez su instrumento, ya que estará más pendiente de otro músico que de su instrumento).

La única solución a este problema pasa por el estudio intensivo del ritmo y la práctica en mantenerlo invariable; si bien este estudio puede parecer aburrido y estéril, una vez hayamos podido ajsutar nuestro reloj interno nos daremos cuenta que no deberemos estar pendientes del tempo y podremos tocar de forma fluida sin “irnos”.

La primera y más socorrida solución es la de tocar sobre grabaciones. Ya sea empleando discos o la música de alguna emisora de radio tendremos una útil herramienta para practicar nuestro “time keeping”. Pero este método tiene dos pequeños inconvenientes, y el primero de ellos reside en el tempo de la grabación. Gran cantidad de grabaciones han sido realizadas por músicos altamente cualificados y con gran capacidad para mantener el tempo dentro de unos márgenes correctos, pero también es posible encontrar grabaciones que, puestas al lado de un metrónomo, se van adelante o atrás. El problema es evidente: si estudiamos con un libro incorrecto, podemos llegar a conocer ese texto perfectamente, pero el resultado será erróneo.

El otro inconveniente de tabajar con grabaciones reside en el hecho de que existen demasiados elementos que nos pueden distraer de nuestro cometido: seguir el ritmo.

La fórmula más tradicional es trabajar con un metrónomo o cualquier tipo de claqueta, sólos contra el ritmo. Al principio es interesante empezar a trabajar con un tempo medio (entre 90 y 110 bpm, por ejemplo) y, sobre todo, con patrones sencillos; ahora no estamos intentando adquirir técnica, ni incluso mejorar nuestra coordinación, sino simplemente ajustar nuestro reloj interno, aprender a controlar nuestras reacciones en el tiempo y adquirir esa “unidad de medida empírica” que nos permitirá siempre saber cuándo debemos tocar. Por ejemplo, el típico patrón de bombo (tiempos 1 y 3) y caja (tiempos 2 y 4) a negras, con el charles a corcheas es un buen comienzo, ya tendrás tiempo de complicarte más la vida.

Después de un rato, puede parecerte que estás perdiendo el tiempo, pero no es así; con estos ejercicios podríamos decir que ocurre lo mismo que con lo de “dar cera, pulir cera” de la película Karate Kit, aprendes algo sin darte cuenta.

A medida que vayas cogiendo confianza, puedes ir variando el tempo y el patrón; ten en cuenta que es en los tempos más lentos donde resulta mucho más difícil mantener una velocidad constante, ya que el espacio entre golpe y golpe es mayor y contamos con menos referencias de tiempo.

A buen seguro, tus primeros encuentros con la claqueta resultarán bastante deprimentes (a no ser que poseas alguna cualidad innata en ese aspecto), pero no por ello debes desmoralizarte. Además, resulta mejor enfrentarse a este problema en casa, con tiempo para solucionarlo, que en el estudio de grabación. A ese respecto, existe un pequeño truco que emplean algunos bateristas en estudio para facilitar su adaptación a la siempre odiosa referncia de tiempo en sus auriculares, el cual consiste en poner la claqueta al doble de la velocidad de la canción; de esta forma, tienes un golpe de claqueta para “pisar” y otro para escuchar.

La primera opción para realizar estas prácticas es el metrónomo, y en el mercado existen gran número de modelos, desde los tradicionales mecanismos de péndulo a sofisticados modelos electrónicos, capaces de trabajar en diferentes tipos de compás y de poder precisar su velocidad de forma milimétrica. Cualquiera de ellos irá bien para nuestros menesteres, aunque ya puestos... cuantas más prestaciones mejor. 

La segunda solución es la de hacerse con una caja de ritmos; la práctica totalidad de ellas incorpora la función de claqueta, aunque de no ser así, siempre podemos programarnos un patros de charles o cualquier otro elemento. La ventaja de una caja de ritmos reside en el hecho de que, para que nuestra práctica sea menos aburrida, podemos programar un patrón sencillo y tocar sobre él. Además, dispone de las mismas posibilidades (sino más) que puede ofrecer cualquier metrónomo digital.

Para muchos, la referencia auditiva puede llegar a ser un tormento, es por eso que la industria ha desarrollado una serie de claquetas visuales. No es ni más ni menos que una claqueta convencional pero el impulso eléctrico generado, en lugar de convertirse en una señal audible se emplea para encender un LED o una bombilla.

Por extensión, para nuestra práctica también podremos utilizar cualquier tipo de secuenciador, ya sea por software o por hardware, incluso puedes emplear como referencia de tiempo el segundero de un reloj, siempre que éste tenga unas dimensiones considerables.

Como ya hemos dicho anteriormente, estos ejercicios no sólo los deben practicar los bateristas o percusionistas, sino que bajistas, guitarristas, teclistas, cantantes y, por extensión, cualquier músico que se precie, debe hacer sus ejercicios de ritmo.

En el seno de muchos grupos con pretensiones siempre ha surjido en ocasiones la frase de “tenemos que hacer un ensayo con claqueta”, aunque muy pocos son los que llegan a tal experiencia.

En ocasiones, hemos podido ver a bateristas que en directo emplean metrónomos conectados a auriculares, y es una buena solución para mantener el tempo correcto, pero si el grupo no sigue al baterista éste acabará haciéndose un lío de mil demonios y no sabrá a quién seguir, si al resto de la banda o a la claqueta, ya que en ambos casos los resultados serán malos; si sigue a la claqueta, el grupo quedará descuadrado con su interpretación, y si sigue al grupo... las que corren peligro de descuadrarse son sus neuronas. 

Hilari jones

Baltimore Hilary nativa Jones comenzó a jugar los tambores profesionalmente en la edad 16. Sobre la graduación de la escuelade Baltimore para los artes ella ensambló la venda de la marina americana. El primeros seis meses de su alistamiento estuvieron pasados en la escuela de fuerzas armadas de arma de la música, en donde ella graduó con honores. En los tres años próximos sus deberes musicales incluyeron funcionamientos en apenas alrededor de cada estilo musical, de la venda grande para hacer estallar. Después de ser descargada de la marina de guerra, Hilary volvió a poner al área de San Francisco Bay para ensamblar el " Girlfriend" , una mano escogió al grupo de músicos formados por el productor aclamado, Narada Michael Walden. Hilary trabajó pronto después de eso para muchos artistas tales como Maria Muldaur, el & de las mam3aes; las papás, la Angela Bofill, el Clarence Clemmons, Pete Escovedo, y el rayo Obiedo. Desde la mudanza a Los Ángeles Hilary el éxito continúa como ella ha registrado y/o ha viajado con los artistas tales como Lee Ritenour, Dave Grusin, tecnología tribal de Scott Henderson, Eric Marienthal, doc. Severinson, virtuoso brasileño Badi Assad de la guitarra, y Robben Ford. Cuando no enviaje ella guarda sesiones numerosas ocupadas de la grabación que hacen y goza el jugar en la escena local de L.A con las vendas tales como Cecilia Noel y las almejas salvajes, el Delphines, y su propia venda. Hilary es también escritor frecuente para el compartimiento del tambor y realiza seminarios educacionales internacionalmente. Con el lanzamiento del mayo de 2001 de su CD del principio, " Soaring" , Hilary ha emprendido qué promete ser una carrera a solas acertada también. " un " del jugador de la energía de la precisión…; Batería moderno " ¡Hilary Jones era verdad impresionante! Mirando su movimiento de piernas su sistema del tambor, habría pagado literalmente ver una media hora de su… " solo; Tiempos de Jakarta " Jones en los tambores hizo una impresión indeleble… que su acompañamiento cargado era throughout." constante; Escena del jazz del LA .